martes, 18 de mayo de 2010

Open water.

Yo quería vacaciones en la nieve!

Dir. Chris Kentis

Durante décadas de cine y tv hemos sido atemorizados por pájaros, arañas, serpientes, pirañas, ballenas (antes de “Free Willy”, la Orca, era una ballena asesina).

En 2006 se estrenó una película Neo zelandesa donde los animales que mataban humanos eran ovejas! “Black sheep”, traducida al español con el literal y predecible “Ovejas asesinas”.

Hemos visto hasta tomates asesinos! “The attack of the killer tomatoes” que comparte con “Plan 9 from outher space” de Ed Wood, los primeros puestos en la lista “oficial” de las peores películas de la historia, no por eso las menos vistas.

Pero absolutamente nada ha calado tan hondo en nuestra sociedad como “Tiburón” de S. Spilberg.

Con algunas de las criaturas asesinas de nuestra raza nos hemos reconciliado. Pero el tiburón sigue atemorizando nuestros mares y costas.

Es el motivo por el que escogí “Open Water” para hablar de los escualos.

A diferencia de lo que la mayoría de la gente percibió como evidente en la película, yo creo que no lo es tanto.

Me explico. El tiburón no se muestra en esta película como el ser despiadado que conocemos. Al hablar de “Open water” se hace referencia a los submarinistas que fueron abandonados en un mar infestado de tiburones. Si claro, eso no se hace. Pero durante la película pasan muchas, muchas horas a la deriva antes de ser “atacados” por los tiburones.

Utilizo las comillas porque eso de ataque no me convence. Hasta en Wikipedia se habla de los tiburones y sus “ataques”. Pero si pisas un hormiguero no hablamos de un ataque de hormigas, si haces montañismo y entras en una cueva tampoco hablamos de un ataque de osos.

Los tiburones no atacan. Son animales depredadores, eso es cierto. Pero los humanos no están en su dieta. Primero porque no van a querer cazar alguien de igual o mayor tamaño. Segundo porque no somos apetecibles y en tercer lugar los tiburones tienen dos sentidos más que nosotros, con unos pequeños agujeritos que tienen bajo su boca pueden sentir a kilómetros de distancia las pulsaciones de nuestro corazón pero seguro les interesará más saber qué pez es viejo, débil o enfermo, eso es lo que suelen comer. Excepto los vegetarianos y el tiburón blanco que tiene en su dieta leones marinos y otros bichos grandes. Pero por lo general no se acerca a los humanos.

No tienen dedos por lo tanto no tienen el sentido del tacto que tenemos nosotros que desde pequeños tenemos una curiosidad innata y tocamos para saciarla.

Tocamos a una chica o a nuestras parejas para sentir su cuerpo, tocamos un aguacate para saber si ya se puede comer. Pues Igual pasa con los tiburones, sólo que ellos lo hacen con la boca, con sus dientes que cambian hasta 3000 veces por año. Y eso para nosotros es una gran desventaja.

Si un surfista va nadando en Australia sobre su tabla con su traje de neopreno y un tiburón lo ve desde abajo es posible que lo confunda con un león marino, entonces sí podemos hablar de un ataque. Pero igual es producto de la confusión del animal y es el riesgo al que te expones si haces surf sobre un banco de tiburones.

Este es un film de esos que con poco presupuesto y mucha imaginación consiguen cautivar un gran público basándose en la premisa cinematográfica que es mejor sugerir que mostrar.

La pareja se mantuvo flotando durante muchos fines de semana en medio de tiburones reales a los que tiraban trozos de atún para conseguir ese efecto hiper-realista. No hay efectos especiales, sólo mar, tiburones y una pareja a la deriva durante 24 horas.

En el argumento de la película Daniel y Susan se pierden de sus compañeros sin percatarse que ya han subido a la embarcación y se han marchado sin ellos.

Minutos después de ascender a superficie empiezan a sentir el pánico de estar en medio del océano. Todavía no hay tiburones a la vista. Vieron uno al hacer la inmersión pero pasaron horas hasta que apareció uno estando en la superficie.

En ese momento Daniel coge su cuchillo y se prepara para un posible ataque. Eso no se hace! Si atacas a un tiburón con un cuchillo seguramente no consigas nada diferente a ponerlo más furioso. Difícilmente vas a poder hacerle daño, son demasiado rápidos.

Pero no pasa nada, no hay ataque.

Hay un ataque en esos primeros momentos de tensión pero es una medusa. Luego un leve momento de esperanza con un barco que pasa más o menos cerca pero otra vez, nada.

La tensión sube lentamente, pero con ritmo firme. Ella tiene nauseas, él le suelta los plomos del cinturón para tener más flotabilidad y le pide que se recueste y descanse.

El plano siguiente es de Susan que despierta bruscamente por una aparente mordida de tiburón. Se habían quedado dormidos y la corriente los había separado un poco. Se encuentran y en la efímera alegría se dan apoyo.

Debilitados después de 7 largas horas se dan cuenta que Susan tiene una ligera herida que sangra en su pierna, Daniel sufre un pequeño calambre fruto de su agotamiento y de la temperatura, aparece un tiburón muy grande cerca de ellos. Sigue pasando el tiempo y los tiburones empiezan a acercarse cada vez más curiosos.

La tensión y el stress aumentan considerablemente pero a pesar de estar a merced de los tiburones no hay todavía ataques. El realizador juega con los planos que se quedaron en nuestra memoria por siempre, los de Spilberg donde vemos en contrapicado a personas flotando en la superficie del mar, esperando ser devoradas por el animal.

Pasada casi una hora de película poco se ha visto de la voracidad de los escualos que nadan tranquilamente bajo la pareja mientras esta mantiene una pelea conyugal.

Dos horas después de la pelea ella le dice que lo quiere, encuentra unos caramelos, se reconcilian, los espectadores nos relajamos unos segundos y llega el primer ataque.

Daniel es mordido en su pierna. Como ya dije antes, más fruto de la curiosidad que del hambre, de no ser así esa pierna hubiera desaparecido en un segundo. Hay sangre en el agua, Susan hace un torniquete y evita una hemorragia que pueda enloquecerlos.
Llega la media noche con tormenta añadiendo un ingrediente dramático extra.

En medio de la oscuridad un animal muerde a Daniel otra vez. Amanece y al empezar las tareas de recate Susan todavía está viva. Daniel no, pero no ha sido devorado. Pudo morir desangrado por la herida de la pierna, deshidratado o por una lipotimia. Pasan 24 horas desde su abandono hasta que se lo comen, a ella suponemos que también pues suelta su equipo, se hunde y no vuelve a salir nunca más.

De todo esto podemos sacar dos conclusiones.

1- Se puede decir que la película hace justicia con los tiburones al mostrarlos un poco más cercanos a la realidad.

2- Llevar una acomodada vida aburrida no te sirve de nada. En cualquier momento pueden abandonarte en medio del océano para ser devorado por tiburones y entonces te vas a arrepentir por no haber hecho todo lo que querías hacer.

Deja de leer esto y ve a hacerlo ahora mismo.

El tiburón y otros demonios. Intro.

Después de más de un mes sin escribir en el blog vuelvo al ruedo, aunque en otras circunstancias y en otra tierra. No voy a continuar, por ahora, con el tema del demonio y sus cohortes infernales. Ese es un tema siempre vigente, lo retomaré en otro momento pues, no sólo encontré datos muy interesantes acerca de su evolución en el arte sino que encontré algunas curiosidades como el Papa negro que hay en Colombia. Habrán entendido que no hablo de raza. Hay seis Papas negros en el mundo y uno es colombiano. (los colombianos le sacamos partido a todo).

Mientras, el papa blanco no da tregua y arma un festín cada vez que abre la boca, en sus últimas declaraciones este fin de semana desde Portugal dice: La tercera revelación de la virgen de Fátima fue el sufrimiento de la iglesia por los casos de pederastia.

¿Sufrimiento de la iglesia? Así lo suelta y se queda tan tranquilo.

La virgen de Fátima apareció en un lugar remoto y le dio 3 secretos a 3 pastorcitos. Durante años el tercer secreto fue un misterio y ahora, de repente es revelado.

Uhm, no sé… me suena un poco a cuento chino. ¿qué más da si lo sabían por la virgen de Fátima, los reyes magos o los 3 cerditos? Hablamos de niños sexualmente abusados y ellos hablan de fantasías.

Pero si el frío y largo invierno berlinés me tenía híper-estimulado para escribir sobre el diablo, mi nueva situación laboral y geográfica me motiva a hablar de otro tema.

En este, y un par de artículos más investigaremos en el profundo y desconocido Océano. Aunque es un tema muy distinto encontramos una similitud con el demonio y su influyente figura malévola en nuestra sociedad. Por lo menos en este post.

Antiguos antepasados nuestros usaron formas animales en su representación del mal. Cuernos de cabra, patas y pezuñas de carnero o alas y cara de murciélago fueron algunas de las características animales con las que dieron cuerpo y cara al ángel rebelde.

Así mismo, en otros contextos la sociedad atribuyó a ciertos animales una imagen ¨demoniaca¨, malvada y de naturaleza violenta. En este caso concreto hablamos del tiburón al que se le ha construido una personalidad definida con un perfil psicótico basado en su temible figura. Imagen que se consolida a partir de la segunda mitad del siglo XX con la masificación del cine y la televisión.

Sin duda los medios son capaces de inculcarnos una idea con la misma rapidez que un microondas calienta un vaso de leche. Pero, para mi es obvio que no es culpa de los medios. Si a estas alturas piensas que el mundo es como lo muestra Hollywood, entonces tienes un problema.

Aunque pueda parecer estúpido, no somos capaces de diferenciar la ficción de la realidad y ese si es un problema muy grande.

Le damos características humanas a los animales y nos creemos el cuento. Flypper, por poner un ejemplo.

Si vas de viaje familiar, de pareja o lo que sea en una embarcación por el mar y un grupo de delfines se acerca a nadar a su lado, es muy posible que alguien quiera tirarse a nadar con ellos. Los delfines son mis amigos- dirá él/la bañista- nos ayudan en caso que algún un tiburón quiera comernos, además bailan y saltan a través de un aro si les tiramos una sardina.

Sí, muy bonito. El problema viene si en ese grupo de delfines hay una cría, no sólo no lo/la van a defender, seguramente lo/la ataquen hasta matarle.

Otro ejemplo mediático reciente es “Grizzlye man”. En la película de Herzog vemos como la actitud del ecologista no sólo le costó la vida, lo cual no trasciende lo anecdótico, pero pudo causar la muerte de la población de osos que tanto quería defender.

Creo que lo peor que puede pasarle a los animales salvajes aparte de lo obvio, es perder el miedo a los humanos o ser defendidos por ecologistas pulgosos que muchas veces terminan siendo más perjudiciales para el medio ambiente y las especies que quieren defender que el problema en si. Hablo de los que no son biólogos ni ecólogos ni han investigado ni leído nada, actúan de buena fe, Pero lo hacen sin conocimiento de causa. Como quien libera un animal en un ecosistema extraño. Puede que arrase o desplace especies autóctonas, se multiplique sin control, mute…Mira que carpa tan bonita, pobrecita aquí encerrada en este acuario. Voy a soltarla en ese río. Vete carpa, eres libre, sé feliz!

Meses después verás aviones dejando armas y llevándose las carpas para venderlas en Europa. (chascarrillo para los que han visto la pesadilla de Darwin)

Esto demuestra también que no es voluntad lo que nos falta sino educación.



Cuando una idea, una imagen o un concepto se hacen universales y entran en nuestra cultura pueden pasar generaciones enteras hasta que alguien se plantea que tan cierto, real o fundamentada puede ser. Y eso, en el caso de los animales y nuestra excesivamente domestica sociedad, significa asumir el derecho a aniquilar cualquier población justificando una posible amenaza.

Los escualos han vivido en la tierra durante 400 millones de años y eso son muchos, muchos años. Nadie conoce el mar mejor que ellos, se han mantenido fieles a su estilo sobreviviendo a todas las especies predadoras. Pero no son capaces, igual que ninguna especie de sobrevivir a la raza humana.

Aunque pescadores y consumidores justifican cazar al tiburón por ser un animal violento con el ser humano, no se le da caza por ser una amenaza, se le caza únicamente como deporte o por sus aletas para hacer sopa, el resto del cuerpo, jadeante, vivo todavía se tira al mar.

Después podrás comerlas en muchos restaurantes de comida asiática. Popularmente se le atribuye efecto afrodisíaco, contra el mal de ojo, contra el cáncer de pelo, y puede que hasta sirva contra la convulsión espontánea. Pero eso no justifica la muerte de tantos animales. Es muy poca la carne que se aprovecha, es cruel como acto y ha mermado la población en un 90% en los últimos 50 años.

Los humanos somos seres excesivamente desaventajados y vulnerables en el mundo animal. Es como si no perteneciéramos al mismo mundo, en el nuestro no nos regulamos ni nos dejamos regular por la naturaleza, sobrepoblamos y sobreexplotamos. Donde llegamos construimos, cementamos y desplazamos.

Nos impusimos como raza y creamos un dios que nos dio este planeta maravilloso para disponer de sus recursos. Si hay animales es porque dios lo quiso así para alimentarnos. Ya pondrá más animales si se acaban.

Dios hacer tiburón, nosotros comer tiburón!

sábado, 3 de abril de 2010

Ha-Shatan. El adversario. Introducción.


-Nunca se deja de creer por completo, dijo el marqués. – La duda persiste.

Abrenuncio lo entendió. Siempre había pensado que dejar de creer causaba una cicatriz imborrable en el lugar que estuvo la fe, y que impedía olvidarla.

Del amor y otros demonios. Gabriel García Márquez.


Este post y los siguientes dedicados a la figura que le hemos dado al mal no tiene en ningún momento la intención de juzgar la espiritualidad o las creencias que cualquiera de ustedes pueda tener.

Encontrarán el análisis de las películas y sobretodo su contexto, así como datos históricos acerca de la relación del hombre con el maligno y su evolución a través de los siglos de la era cristiana, la iconografía utilizada por los artistas occidentales y la fascinación que nos produce lo oculto.

El tema es extenso y no exento de polémicas. Poco a poco y cada dos semanas iremos desarrollando la investigación con pausas para respirar, oxigenar y comentar otro tipo de cine y de temáticas. Pero lo que parecía inevitable se hace evidente y al final termina siendo la lucha entre la oscuridad y la luz, la columna vertebral de este blog.

Hoy sábado 3 de abril, mientras escribía el post y esta introducción hice una pausa para leer las noticias y me encontre con el escándalo de pederastia que arrastra la iglesia católica como un grillete atado a sus tobillos y que mientras más intenta esconder más evidente se hace.

No pretendo juzgar ni a muertos ni a curas, ni a instituciones ni a feligreses. Pero no es un tema para pasar pagina y seguir tomando el café tranquilamente.

Se condena el acto de palabra, mas no en acción. Se desvía la atención hablando de violencia domestica, aborto y otros temas para no darle mayor importancia. Mañana ya no será más noticia.

Este espacio se convierte entonces, a partir de hoy, en un espacio que invita al debate y a la reflexión acerca de esos valores con los que crecimos y que a lo mejor nunca cuestionamos.

Bienvenidos.

En los primeros años de nuestra era y casi mil años antes del nacimiento de Cristo, el diablo era representado como un animal.

En el genesis del antiguo testamento, adopta la forma de serpiente para tentar a Adán y Eva provocando su expulsión del paraíso dando como resultado el pecado original por el que tenemos que ser bautizados al nacer. Su castigo será conservar esa forma para siempre y vivir arrastrándose toda la eternidad.

Antes del dios supremo que conocemos ahora convivían muchos dioses en las distintas culturas que habitaban la tierra. Dioses para la fertilidad de los campos, las lluvias, los ciclos lunares y prácticamente para todas las tareas de la vida cotidiana. Fueron necesarios muchos siglos y mucha sangre para desarrollar y consolidar una teoría monoteísta.

En el antiguo testamento se plantea un dios único capaz de premiar a sus fieles pero también capaz de los más duros castigos y tormentos para quienes no lo obedecieran y adoraran. Así, dios descarga toda su furia contra las ciudades de Sodoma y Gomorra haciendo que llueva fuego y azufre.

Insatisfecho con la actitud desobediente del hombre desata un diluvio de 40 días y 40 noches donde sólo permite la salvación de Noe y su familia.

También como castigo, obliga a los judíos a vagar en el desierto durante 40 años.

Los primeros esbozos de una lucha entre el bien y el mal comenzaron mas o menos a partir del siglo uno antes de cristo cuando empieza a formarse la figura de Lucifer. Un ser que encarna la tentación. Él no interfiere, no tiene poder para manipular la voluntad del hombre, pero es un especialista en tender trampas.

El opuesto a Dios, el rebelde, el adversario. Ya dios no era más el culpable de los castigos del hombre en la tierra y sus desgracias.


"¡Cómo has caído de los cielos, Lucero, hijo de la Aurora! (...) 'Al cielo subiré, por encima de las estrellas de Dios alzaré mi trono, y me sentaré en el Monte de la Reunión en el extremo Norte. Subiré a las alturas del nublado, y seré como el Altísimo."
(Is 14.12-14)
Un ángel destinado a trabajar entre el cielo y la tierra que decide no obedecer más a Dios y se rebela junto con otros ángeles que van a seguirle a su nueva morada donde instalarán el reinado del mal.

Nace también la idea del juicio final, presente en la religión cristiana, judía y musulmana así como la idea de un anticristo y un castigo eterno.

El libro de las revelaciones o Apocalipsis habla de un lugar donde los pecadores pasarán el resto de la eternidad sufriendo castigos y torturas por no obedecer la voluntad de Dios, el infierno.

Artistas como Gustave Doré, Rubens, Bosch, Miguel Ángel, Delacroix o William Blake tienen en común el haber prestado su talento y su imaginación para materializar ese lugar y mostrarnos las torturas y sufrimientos que nos esperan al otro lado.

A partir del siguiente post nos centraremos más en el desarrollo del Maligno, sus cohortes y el infierno en el arte medieval donde satanás adquiere una especial relevancia y sus oscuros demonios se hacen más humanos, cercanos y temibles, y hablaremos también de su presencia en el cine desde sus inicios.

Empieza aquí la lucha por las almas de los hombres.

Me despido con el análisis de la película y con una frase que me escribió una amiga en su último mail de cuando salíamos juntos.

-Que Dios nos perdone. Finalmente ese es su oficio.

Feliz fin de semana santa a todos.

El día de la bestia.

-Tu eres satánico, verdad?
–Si señor, y de Carabanchel.

El día de la bestia.
Dir. Alex de la Iglesia.

-Presidente no nos falles! Le gritaba una joven y entusiasta chica al recién elegido presidente Rodríguez Zapatero en España hace unos años.
Los sectores de la ciencia, salud, cultura, turismo, deporte, así como la academia le pedían lo mismo.

Toda la responsabilidad en un solo hombre.

Alex de la Iglesia asumió hace poco la presidencia, en este caso de la academia con todas las esperanzas puestas en él de sacar a flote una industria que estrena cada año un promedio de 120 Películas de las cuales sobreviven sólo unas pocas a la dureza y arrogancia de la crítica española y a la indiferencia y desprecio del público.

Dicen los Trueba, padre e hijo, que el estado tiene que seguir dando dinero para hacer esas películas que ellos llaman “necesarias” aunque nadie quiera verlas.

Es cierto, lo han dicho en más de una entrevista.

Y entonces la industria deambula sin rumbo perdida en esa dependencia de paternalismo estatal, en muchas buenas películas que nunca llegan a distribuirse, los cientos de películas “necesarias” de la guerra civil, los dramones sociales con prostitutas, marginados y enfermos terminales, y esas comedias flojas y vacías para adolescentes, -el cine de genero lo dejamos para otra oportunidad. Aunque hay mucho fantasma también hay autenticas delicias-. Se salva de la hoguera el cine de animación en el que España está consiguiendo un más que merecido prestigio a nivel mundial.

Pero el porcentaje de películas que sobreviven para el nivel de producción es muy bajo.

De momento, como presidente, ha conseguido que Almodóvar se reconcilie con la academia después de su disgusto por no haberse llevado todas las estatuillas a casa, le costó a la academia aguantar el berrinche con pataleo y renuncia formal del más prestigioso de sus hijos.

Ahora lo intenta con Garci, desvinculado de la academia hace más tiempo, pero a nadie parece importarle mucho que lo consiga.

Ánimo presidente!


Alex de la Iglesia es de esos pocos cineastas que desde su primer corto ya marca un estilo. Con “Mirindas asesinas” consigue el apoyo de Almodóvar para su primer largo “Acción mutante”. Hace del sarcasmo y la ironía su mejor arma, y poco después gana el favor de crítica y público con “El día de la bestia”.

En los blogs y foros dan mucha trascendencia a la crítica social que se hace en la película, así como la crítica a los medios. Tampoco creo que sea para tanto.

En el año 96 me encontré con una entrevista que le hicieron a de la Iglesia donde hablaba de cómo pasaba las tardes con Gerricaechevarría escribiendo el guión entre risas y cervezas al lado de una piscina.

Así quería vivir yo, me apunté a la escuela de cine y compré unas cervezas. O al revés, ya no me acuerdo.

Años más tarde en otra entrevista hablaba, también entre risas, de la metáfora de la película. Me sentí como un idiota por no haber entendido ese mensaje escondido.

Es muy difícil captarlo si no vives en Madrid, pero yo ya había vivido ahí muchos años. Las torres donde iba a nacer el Anticristo que se llaman “Puerta Europa” son dos edificios de “Caja Madrid”, el banco más poderoso e influyente de España y yo seguía sin entenderlo.

El mal, el verdadero demonio son los bancos! Claro. Después de pedir mi primer crédito, un segundo para pagar el primero y terminar pagando un tercero sin haberlo pedído ni disfrutado esa teoría comenzó a tener sentido.

Él lo sabía, ese hombre es un profeta, un visionario, lastima no haber entendido el mensaje a tiempo.


Escena 1. Interior iglesia. Día.

-Padre quiero confesarme.
–Dime lo que has hecho hijo.
–Nada padre, no he pecado, pero voy a pecar. Voy a hacer todo el mal que pueda.

Dos minutos después el sacerdote más anciano, el único al que ha contado el secreto y el único que puede ayudarle, muere aplastado por una cruz enorme.

El inocente padre vasco Ángel Berriartúa llega solo a un Madrid caótico, en la época más caótica de Madrid, la víspera de navidad. Mientras camina por el centro de la ciudad intentando hacer el mal, nos presenta los personajes que desarrollan la historia.

En dos televisores de una vitrina vemos en un noticiero la acción de “Limpia Madrid” que quema vivo a un indigente y en otro televisor al profesor Cavan ofreciendo sus servicios de ocultismo para conseguir lo imposible.

José María entra en escena rompiendo contra el mostrador la cabeza a un chico que quería robarle tres Cds. Trabaja como dependiente en una tienda de música y conecta al padre vasco con la pensión y los demás personajes de la historia.

Los dos siguen al profesor Cavan a su apartamento en la plaza del Callao para invocaran desde ahí al demonio.

Demasiados tripis para una invocación. Casi 20 en esa mezcla alucinógena y demoniaca de sangre de doncella y agua bendita.

Intentan huir del demonio saliendo por la ventana colgándose de uno de los edificios más emblemáticos de la ciudad.

Es un mérito crear una relación afectiva directa con un lugar fácil de reconocer.


Empecé a estudiar en Madrid dos días después de llegar a España en una escuela situada en gran vía, a pocos metros del apartamento del profesor Cavan.

Mis compañeros no podían entender mi emoción al ver el edificio de Schweppes y aunque era de día y nunca antes lo había visto, pude reconocerlo.

Estoy casi seguro que aunque ellos no compartieran mi emoción en ese instante también relacionan el edificio con la película en algún momento. Puede ser un truco muy usado en publicidad donde se busca constantemente relacionar un producto o marca con sentimientos, lugares comunes o música popular.

Aunque en la mayoría de estos casos lo que consiguen es el efecto contrario. En el caso de la música casi siempre terminamos odiando la canción que han usado. Les pongo como ejemplo “The passenger” de “Iggy Pop” que usa telefónica en sus anuncios. No vas a ir a firmar un contrato gracias a Iggy Pop, simplemente te han jodido la canción, se convierte en algo molesto relacionar algo que te gustaba con una marca.

Con el día de la bestia no pasa eso y ese edificio como referente de la película se recuerda con cariño, por lo menos en mi caso.

Sólo vemos Madrid de noche, un Madrid invernal, oscuro y violento, a pesar de ser navidad.

El ritmo de montaje encaja perfectamente con la música diabólica de Jose Mari.

-Lo sé todo. Va a ser aquí. Hoy es el día de la bestia.-Dice el padre.

-No, hoy toca Satannica. Habla con el de la barra, él lleva los conciertos.

Asistimos al concierto de Satannica en la sala Inferno. Una de esas fiestas que no te quieres perder. Con rejas, cuero, chicas con poca ropa bailando enfurecidas encima de canecas y bidones, y música en directo contundente y agresiva.

Que buen concierto. Como me hubiera gustado estar ahí. Lo mismo que me pasa con la fiesta de Matrix reloaded.

Todos esperan a que Morfeo hable y diga: Esto es Sion y no tenemos miedo! Para empezar a bailar como poseídos por el diablo.

Todos van a morir, pero eso no importa. Miles de personas bailando descalzas y semidesnudas en una cueva debajo de la tierra.

Lo siento, me emociono y me desvío del tema. Pero en realidad hay poco más para decir del día de la bestia que no se haya dicho ya.

Plano contra-plano, buenos efectos creados con After Fx, buena banda sonora…

Me queda solamente hacer mención al monumento al ángel caído. Es el único monumento público que existe en Europa a la figura de Lucifer y se cree que también en el mundo.

Sale en el último plano de la película la escultura que data de 1874 realizada por el artista madrileño Ricardo Bellver.

Un ángel furioso en su caída rodeado de serpientes en lo alto de una base con demonios que dejan salir agua de sus bocas haciendo de inocentes fuentes pero al acecho, vigilando y protegiendo al maligno.

Y el último dato curioso que les dejo. No sé si se han fijado, pero poco antes de que el vigilante muera electrocutado en el estudio donde el profesor Cavan graba su programa hay una foto gigante de Silvio Berlusconi.

Me deja la duda de la relación del primer ministro italiano con el demonio.

Pero de esa relación política-demonio hablaremos otro día.

No podríamos dejar escapar perlas como: Aquí huele a azufre. De Chávez haciendo alusión a Mr. Danger.

Paciencia amigos, todo llegará en su momento.

viernes, 19 de marzo de 2010

Bonnie and Clyde.


Amor, violencia y Rock n roll 2/2

Cariño, dispara!

Bonnie and Clyde.
Dir. Arthur Penn


En la primera entrega de este blog hablaba de Natural born killers por haber sido una película que rompió en su momento con todo lo que yo con mis escasos 14 años estaba acostumbrado a ver.

No sería justo pasar al siguiente tema si no hablamos un poco de las raíces de esta película. No es necesario ir muy lejos, Podemos encontrar una influencia directa, clara y cercana en la película de Arthur Penn "Bonnie and Clyde"

La relación de Bonnie y Clyde con los medios convirtió a la pareja en ídolos. Más de 20000 personas asistieron a su entierro y todavía hay gente que les lleva flores o les escribe canciones, como Beyonce y Jay Z. Dudoso honor por cierto.

Habían matado 14 personas y en todos los textos que se encuentran sobre ellos se les trata con una cierta compasión, con un cariño que sería difícil de explicar a nuestros hijos. Igual que pasa en la película.

Nos quedamos con la historia de amor, los convertimos en victimas de la sociedad y los hacemos inmortales.

Nadie siente tristeza por un banco que ha sido robado y cuando alguien se enfrenta a la autoridad hay una parte escondida en todos nosotros que siente una especie de alivio o liberación. Como cuando un toro cornea un torero. Como cuando Clyde le ofrece al campesino que dispare a su propia casa que ha perdido y que ahora pertenece al banco.

La policía sirve a la sociedad sólo como efecto placebo. Cuando eres joven eres culpable sólo por serlo, ellos son la autoridad y más que a respetarlos nos enseñan a temerles. Cuando te haces mayor ya no importa, hay tantos pequeños problemas en la vida cotidiana que la función social de la policía pasa a ser un tema absolutamente irrelevante.

Pero no vamos a discutir ese punto aquí, este es un blog de cine y vamos a centrarnos en el goce que nos produce ver a los chicos malos saliéndose con la suya.

Aunque estos chicos malos son un poco torpes, viajan a ritmo de música sureña como lo hacían los duques de Hazard o los Beberly ricos y van aprendiendo a ser delincuentes casi por inercia.

Son presentados de una manera muy pintoresca, y viven situaciones absurdas.

El primer banco que intentan robar no tiene fondos y Clayde le pide al banquero que salga y se lo explique a su novia. Luego intentan robar en una tienda de barrio leche, pan y pasteles de manzana. También fracasan en el intento.

Y así hay muchos momentos que quitan peso a sus crímenes y nos hacen cogerles cariño. Toda la banda viaja como una familia, con problemas y discusiones pero al fin y al cabo como una familia normal.

En cuanto a la relación con la película de Oliver Stone hay unos aspectos comunes en los personajes.

Como explíca el psicologo en Natural born killers –saben perfectamente diferenciar la linea entre el bien y el mal, simplemente no les importa- lo hacen por el puro placer y la diversión de hacerlo. Son rebeldes sin causa y sus personalidades despiertan todo tipo de pasiones y contradicciones por lo atractivas que se nos antojan.

Viven en la carretera, sin posesiones materiales, si quieren o necesitan algo simplemente lo cogen. No creen en los valores sociales, no creen en el castigo eterno, no hay un diablo que los va a juzgar después de muertos. Sólo tienen el presente.

Claro que aunque el cine nos muestra esa parte tan romántica de libertad absoluta en realidad una vida de prófugo debe ser bastante dura. Por mucho amor que haya por medio no pueden comprar comida o medicinas con tranquilidad, no pueden dormir tres noches en el mismo sitio y siempre van a tener que vivir al acecho. Y eso puede generar tensiones en la pareja.

-Cariño te pedí que enterraras ese policía! Tengo que hacerlo todo yo? Inútil!

Es curioso que en ningún texto se menciona la inapetencia sexual de Clyde.

Justo después de las fotos que aparecen con los créditos iniciales Penn nos muestra en primer plano unos labios carnosos que se relamen seguidos del cuerpo semidesnudo de una sensual Bonnie de carácter explosivo, seductor y disponible. Parece que esta inapetencia constante de Clyde es sólo un elemento de ficción en la película. Aunque se publicaron los poemas de Bonnie en la prensa no hay ninguna declaración suya diciendo que Clyde no la tocaba o que no la hizo sentir mujer hasta el día anterior a su muerte.

Tampoco le vamos a dar mayor relevancia, si nadie más lo ha mencionado tal vez sea por petición de Warren Betty que prefiere conservar su fama de mujeriego.

Me parece en cambio más interesante el papel de la madre de Bonnie. Ella encarna los valores tradicionales, la familia y la protección que Bonnie busca constantemente. A pesar de ser una mujer fuerte, decidida, con carácter y capaz de matar en cualquier momento se desmorona al ver a su madre y no le importa arriesgar su vida con tal de verla una última vez.

Eso nos da una faceta humana que el cine de gansters nos enseño a principios de los 30´s. Cualquiera podía ser un delincuente y vivir ese glamour y esa aventura constante como algo cotidiano. Son personajes muy cercanos a nosotros que un día toman una decisión y no pueden volver atrás.

Hay 4 puntos de vista en una novela negra o en una película de gangsters. El punto de vista del Policía o detective, el del juez, el de la victima y como en estos dos casos, el de los criminales.

Poder entrar en su rutina los vuelve a nuestros ojos normales y corrientes, los malos también comen, lloran y se rien de los mismos chistes flojos que nosotros, los buenos.

En 1934 cuando el cine de gangsters estaba en auge se creo una ley. "La ley de Hays" que decía que las películas no podían exaltar al asesino o al delincuente, así como tampoco podían mostrar a los representantes de la ley como seres incompetentes.

Hoy en día no es necesaria una ley para saber qué tan competente es la autoridad y no se puede prohibir que el público, de alguna manera, se sienta identificado con los malos de la película.

Clyde sonríe todo el tiempo y nunca siente remordimiento por lo que hace, está orgulloso de robar bancos y le gusta decirlo. Las familias también los respaldan, la de Bonnie la admira y guarda todos los recortes que salen en los periodicos.

Por otro lado hay películas que utilizan objetos como personajes. Por ejemplo “Rosebud" en “ciudadano Kane” o el reloj de “la vendedora de rosas” de Victor Gaviria que al morir, en sentido figurado, provoca la muerte de la protagonista. En este caso podrían ser los coches que utilizan en sus consatantes huidas.

Por un coche se conocen y están presentes durante todo el film como uno más de la banda, incluso en las fotos de familia. Hasta el momento de su muerte cuando el traidor prepara la emboscada con la policía el coche muere tiroteado con ellos y gana su inmortalidad. Hoy se puede visitar en un museo en Louisiana donde cada año, se celebra el "Bonnie and Clyde Festival".

Al final de este post dejo un link que suguiero que sigan.

Es un video filmado tan sólo 5 minutos después de su muerte a manos de la policía y muestra los impactos de los cientos de balas que recibieron. Para alimentar el morbo les adelanto que se puede ver el cadáver de Bonnie en el asiento del copiloto y todas las armas que usaban.

Y así termina la historia de Bonnie y Clyde. Reciben un castigo merecido pero ese mismo castigo los convierte en leyenda.


Puede ser que estuvieran predestinados a vivir en la violencia. Hay gente que no tiene opción.

Si tu apellido es Corleone, puedes correr, huir, esconderte en un lugar apartado pero lo tienes inscrito en los genes. No vas a escapar a tu destino.

Si es tu caso, lo mejor es que no luches, búscate una pareja con las mismas características y un deportivo al que puedas quitar el techo, da mayor sensación de libertad y te hace ver muchísimo más elegante.

No te va a gustar salir en los periodicos o en la tele huyendo en una chatarra que pierde aceite o echa humo.

The Tale is ended. The story is told.

También les dejo un fragmento de uno de los poemas de Bonnie Parker escrito pocas semanas antes de su muerte. Para despedirme con algo de sensibilidad primaveral.

No olviden que en dos semanas el blog está dedicado al demonio.

Desde su naciménto en el nuevo testamento muchos son los artistas que se han dedicado a darle forma y cuerpo al ángel caído. Muchas fueron las trasformaciones que sufrió desde el siglo X hasta el siglo XVII para consolidar la imagen que de él tenemos hoy en día.

Responderemos a preguntas tan importantes como: Es necesario joder el suelo para invocar al demonio? o, sirve el heavy metal para hacer más fácil la conexión?

Perdón, no es heavy. Es death metal y no es lo mismo.


Video post-muerte de Bonnie y Clyde.

http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Bonnie_and_Clyde_death_scene.ogg


Saga of Bonnie and Clyde
(Fragment. By: Bonnie Parker)


But the laws fooled around and taking him down
and locking him up in a cell
‘Till he said to me, "I’ll never be free
So I’ll meet a few of them in hell."

The road was so dimly lighted
There were no highway signs to guide
But they made up their minds if all roads were blind
They wouldn’t give up ‘till they died.

The road gets dimmer and dimmer
Sometimes you can hardly see
But it’s fight man to man, and do all you can
For they know they can never be free.

From heartbreak some people have suffered
From weariness some people have died
But all in all, our troubles are small
‘Till we get like Bonnie and Clyde.

sábado, 6 de marzo de 2010

Natural born killers



Amor, violencia y Rock n roll 1/2

Natural born Killers.
Dir. Oliver Stone
Guión: Quentin Tarantino.
1994.

Una película generacional, estrenada a mediados de una década confusa que buscaba una identidad.

El siglo XX estaba llegando a su fin y todas las revoluciones dejaban una sensación de fracaso: La Volchevique del 17, la cubana del 59, la cultural China, las guerrillas habían perdido toda credibilidad, el hipismo había fracasado y las grandes utopías también. Los radicales que en los años 70´s lucharon por un mundo más justo y libre se habían convertido en ejecutivos consumidores de drogas químicas o simplemente se habían adaptado al ritmo del mundo y trabajaban como uno más en una oficina, banco o en cualquier escritorio de cualquier empresa.

La juventud de los 90 estaba perdida entre los procesos políticos que vivía el mundo como el fin de la guerra fría, conflicto del cual no entendían absolutamente nada, el desinterés por la política era evidente y lo más demostrativo en temas de compromiso social eran las camisetas, afiches y tazas del Che Guevara que todavía vemos con tanta frecuencia. No tenían la ilusión de la generación de sus padres y huían casi con asco del Glam colorido y superficial del los años 80.

El rock era menos solemne y más agresivo, o tal vez más desordenado y menos pretencioso que el metal. Había una rabia inefable y la música industrial y electrónica nacida en la fría Alemania pisaba con fuerza dispuesta a tomarse las pistas de baile donde los jóvenes buscaban el desahogo y saciaban su curiosidad consumiendo las delicias y placeres de las nuevas drogas.

La imagen del junkie con sida deteriorado,convertido en despojo humano perdía espacio en nuestro imaginario de consumidor de drogas y se entendía el problema más como un negocio de políticos corruptos y mafiosos asesinos que como un problema para el consumidor esporádico.

Las marcas ya dominaban y moldeaban personalidades a su antojo, los hombres querían ser vistos con camisetas de cocodrilo y calzoncillos que mostraran en letras grandes el nombre de la marca.

Kurt Cobain se volaba los sesos después de conseguir que una pequeña banda de una pequeña ciudad firmara con una multinacional enorme y poderosa, Y lo que en ese momento parecía un logro para los músicos “alternativos” se convirtió en otro fracaso gracias a la industria de la música que a partir de ahí fabricó bandas para consumo masivo como si fueran galletas.

A principios de los 90`s Mtv era EL CANAL, así, con mayúsculas. No existía hasta ese momento nada parecido y ningún amante del rock quería perderse Headbanglers. La cultura del video-clip y la publicidad atrapaba con sus tentáculos el cine y la televisión, y los avances tecnológicos transformadores de arte en códigos binarios permitían intercambiar archivos de música y cualquier información digitalizable en grandes cantidades.

Vivíamos en una sociedad que empezaba a obsesionarse con la seguridad y la vigilancia, y la cultura del miedo poco a poco y sin hacer mucho ruido fortalecía unas raíces que han conseguido que hoy en día vivamos en un mundo igual de inseguro y cruel pero más paranoico

En este contexto llega este film escrito por Quentin Tarantino, uno de los más carismáticos cineastas que surgió en los 90´s. Un amante del cine que bebió todo lo que pudo del Blacksplotation de los 70´s donde los héroes eran en realidad antihéroes; traficantes de drogas y delincuentes de raza negra que vivían con estilo y glamour al otro lado de la ley.

Saqueador de todos los géneros y subgéneros del cine ha hecho de cada una de sus películas una declaración de intenciones, como él mismo dice: el cine debe ser dinamita pura¨. Sacudiendo esas cabezas desorientadas y adormiladas de una generación acostumbrada al consumo rápido, industrial e impersonal de Hollywood.

Oliver Stone transforma el guión en un film directo, rudo y divertido. El montaje tiene un ritmo acelerado, caótico y lleno de cambios en apariencia injustificados. El uso de filtros de colores y blanco y negro, texturas de cine de 8mm, cambios repentinos de ángulos, animación, proyecciones… efectos sencillos pero reiterativos que fortalecen el perfil sicológico de los personajes, retorciendo los planteamientos clásicos del montaje propuestos por Einsentein.

A los pocos minutos de comenzada la película el apacible ambiente de un desayuno en una cafetería de carretera mientras suena Waiting for the Miracle de Leonard Cohen, se convierte en una masacre a ritmo de L7 y Mickey y Mallory Knox hacen gala de sus habilidades con el cuhillo, puños y pistola.

En este corto espacio de tiempo, antes de los créditos iniciales ya tenemos la información básica del film y sabemos que se trata de una historia de amor. Algo así como Casablanca pero llena de violencia y rock n roll.

Viendo en tono de stand-up comedy una situación tan violenta como la relación de Mallory con su familia, los personajes se conocen.
-Who are you? –Mickey, who are you? –I´m Mallory –You should change your name to beautyful…

Nos hacemos cómplices de su causa. Los hombres despiertan su instinto de protección y violencia y las mujeres ven en Mallory a una heroína posmoderna, fuerte, independiente y segura de si misma que no asume el pasivo rol decorativo que Hollywood suele dar a la novia del protagonista.

Como unos seres iluminados ya no son más unos asesinos en serie, son demonios convertidos en Rockstars por los medios de comunicación carentes de principios que anteponen el rating a todo tipo de ética, objetividad y demás valores que se supone deberían tener los medios de comunicación que devoramos a diario.

El amarillismo hace parte de nuestras vidas y cada vez es una necesidad más difícil de saciar, hemos perdido toda sensibilidad a la brutalidad de las imágenes, incluso si son reales.

Nos resulta más fácil llorar viendo La vida es bella, Bamby o El rey león, que sentir algo más que indiferencia al ver en las noticias desastres naturales que devastan terrenos enteros matando miles de personas, niños que mueren de hambre en medio mundo, guerras, desastres ecológicos y ese largo etcétera.

-Killing you and what you represent is a statement. I´m not 100% sure of exactly what i´m saying. You know Frankenstein kill Dr. Frankenstein…

Lo interesante es que aunque la película presenta a los medios y su sed de sangre no los sataniza y señala como culpables, sólo quita el decorado para que veamos lo que hay detrás.

Los medios nos dan lo que queremos ver, nos alimentamos y señalamos mutuamente igual que hacemos con las marcas y los procesos de globalización.

Como en esas tragedias griegas donde el personaje ciego es el único en ver lo evidente. Hay un personaje como Tiresias que es el indio y es el único en ver el demonio en ellos así como podría verlo en cualquiera de nosotros. Los demás, los que podemos tener los ojos abiertos y ver, preferimos mirar a otro lado.

-Is just murder man, how god creatures do, some form or another. I mean, you look in a forest, you got species killing another species, our species killing all species including the forest. We just call it industry not murder.
Inocent? Who is inocent? Are you inocent?

Introducción





Si pensamos en cuales son nuestras películas favoritas la primera reacción que tenemos es de buscar los autores más intelectuales, los más grandes pero más “underground”, los más transgresores. Como si alguien estuviera vigilando nuestro subconsciente, a lo mejor para no defraudarnos de nuestras sinceras reacciones.

Así que el planteamiento que hago en este blog es el de analizar las películas que me han marcado en diferentes momentos de la vida. Sin entrar en consideraciones intelectuales. Pero si intentando entender por qué esas películas son especiales y cuál es ese vinculo afectivo.

El cine al igual que otras artes termina siendo determinante a la hora de definir nuestra personalidad, nos ofrece héroes y villanos, la eterna lucha entre el bien y el mal. Poco a poco vamos sintiéndonos identificados con unos y otros porque en la vida real no todo es blanco o negro, es más bien un gris mal mezclado, un gris lleno de manchas, espeso y vertiginoso donde no tienes tiempo ni de parar a entenderte. Por eso nos gusta actuar, pretender poder ser como tal o cual personaje o como la mezcla de muchos para poder escoger en cada situación como nos gustaría ser. Sin miedos, con un carácter definido o por el contrario frágiles y vulnerables. La gama es muy amplia.

El cine funciona como funcionaba para el hombre primitivo escuchar los cuentos de chamanes y brujos. Todos juntos alrededor del fuego escuchando historias y leyendas dando rienda suelta a fantasías y deseos. Pero anónimos en una sala oscura, escondidos del gran hermano que pesa en nuestro subconsciente, libres.


El criterio de selección es puramente emocional. Hay películas que nos han influenciado más que otras independientemente de su calidad técnica y artística. Y hay películas que nos han abierto los ojos o simplemente nos han sacudido el estomago y las viseras liberando nuestros más bajos instintos.

Esa es, para mi, la función del cine, tocarnos los cables por dentro. Entrar a las venas como heroína, crearnos interrogantes y enfrentar nuestros miedos y placeres.

El cine, al igual que el teatro y las demás artes debería ser revulsivo y no evasivo. Incomodo y no pasivo.

Esta primera entrega está dividida en dos partes para no hacerlo tan pesado y así justificar el poner el artículo sobre cine colombiano escrito con Catalina Mahecha para una revista de cine en España.

Tiene este post como tema principal el amor, historias con romance, con galanes, divas, miradas de complicidad, ternura, violencia… si, también violencia.

Cuando pensamos en Shakespeare y Romeo y Julieta por ejemplo, lo que nos viene a la cabeza es cursilería y la cara de un joven Leonardo Di Caprio con camisa de flores llorando desconsolado, pero nadie piensa en toda la violencia y rabia que hay en el texto. Así mismo pasamos por alto la violencia en cualquier film si los personajes consiguen su objetivo y aunque para eso cometan delitos atroces.

Entonces nuestras fantasías, -insaciables sólo en condición de fantasías-, pues es nuestro apetito mucho más fácil de saciar en la realidad, sitúan el amor más allá del bien y del mal.

Ya tenemos ganas de primavera, el invierno ha sido divertido pero largo y muy frío. Es hora de quitarnos un poco de ropa y disfrutar de los placeres de la carne. Calma, no se emocionen todavía, el post de cine gore será para una próxima entrega y cada dos semanas habrá una temática nueva relacionada con esas películas que tanto nos han cautivado.



El próximo está dedicado a Satán.

Y así, sin más lo dejo para que disfruten del amor y los primeros rayos de sol de la primavera.

Diego Gómez Tibocha.

El despegue del nuevo cine colombiano


Por Catalina Mahecha y Diego Gómez Tibocha.


Si bien la historia del cine colombiano es, en realidad, la historia de algunas películas, como se ha apuntado no sólo desde la crítica sino desde los mismos realizadores, la producción que viene creciendo desde hace poco menos de una década, nos obliga a replantear la mirada más bien desconfiada que se venía teniendo.
La tentación de nombrar los procesos de asensos y descensos es a veces irremediable y no se ha tardado en hablar del nuevo boom, con la idea de que fuera más bien un despegue definitivo de la industria cinematográfica nacional.

Boom o despegue, lo cierto es que el cine en Colombia empieza a posicionarse de otra manera. No sólo hay una producción creciente sino también una forma distinta de hacer cine: una diversidad de estilos y tratamiento de los temas que amplía el panorama y enriquece también las formas de representación.

Hacer cine en Colombia, a pesar de la ilusión del crecimiento, sigue siendo un acto de rebeldía y obstinación; la prueba palpable de que la necesidad de contar supera el desgaste del tiempo, la impaciencia, y todos los obstáculos posibles que van desde lo estructural hasta lo burocrático, pasando por la censura y la precariedad.
El cine colombiano pone a prueba las leyes de lo probable y termina resurgiendo ante la dificultad de mostrarse, de expandirse, de gestionarse. Sigue siendo, como diría el director Harold Trompetero, un acto de fe.

Haz el cine, no la guerra.

El desarrollo de la producción cinematográfica en Colombia ha estado muy ligado a los procesos y transformaciones políticas, sociales y económicas que ha vivido el país.
El cinematógrafo llega en 1897, sólo 2 años después de que los hermanos Lumiérè lo presentaran en el Salón Indio en el boulevard de los capuchinos en París.
Y sólo 2 años después de su llegada comienza la guerra bipartidista más larga y sangrienta de nuestra historia, la guerra de los mil días. 3 años y 100.000 muertos después el país comienza una lenta y traumática reconstrucción y, aunque en la primera década del siglo XX los hermanos Acevedo comienzan a registrar nuestra realidad en celuloide, y los hermanos Di Domenico crean la primera sala de proyección en el teatro Olimpia en Bogotá, habría que esperar a los años 20 para vivir los primeros esbozos de una insipiente industria cinematográfica.
En 1922 después de 2 largometrajes documentales de los hermanos Di Domenico y de producciones de tipo informativo. Se estrena el primer largo de ficción basado en una novela colombiana que abrió el camino a la novela romántica en Latinoamérica: “La Maria” de Jorge Isaacs. Dirigida por Máximo Calvo y Alfredo del Diestro, de la cual sólo se conservan 25 segundos de metraje de las 3 horas que duraba.
De esta primera etapa se perdieron para siempre películas como: “Aurora o las violetas” y “La tragedia del silencio” de Arturo Acevedo y sobrevivió el drama costumbrista “Bajo el cielo Antioqueño” de este mismo realizador.

Pese al éxito de estas producciones las inexistentes redes de distribución dificultan las labores de promoción y divulgación, sumado a que en 1928 “Cine Colombia”, una empresa de reciente creación, compra y cierra el único laboratorio existente en el país y se dedica a la distribución de cine internacional.
En esas condiciones cualquier industria que no estuviese ya consolidada, con un público interesado en las producciones nacionales y una generación de cineastas aprendiendo el oficio, nada se podía hacer frente al cine italiano, el boom de hollywood, Chaplin y su quimera del oro, la productora francesa Pathe, La fuerza de los alemanes Robert Wiene, Friz lang y Murnau y la escuela soviética de Dziga, Vertov, Einsenstein y Pudovkin.

Pero el golpe más duro a la moral del cine colombiano fue la censura:
Garras de oro (1927) firmada bajo el seudonimo de “P.P.Jambrina” como director, refleja el dolor que el pueblo colombiano sentía en su orgullo por la perdida de panamá en 1903 gracias a la intervención de EEUU, y denuncia la complacencia política frente a este hecho; obviamente esta producción colombo-italiana de corte anti-imperialista no gustó a las altas esferas, que decidieron desaparecerla después de su exitoso estreno en el teatro moderno de Cali y de ser proyectada en dos ciudades más.

En los 70 fueron recuperados 50 minutos de esta producción que destacó por su buen manejo del lenguaje cinematográfico y por sus fotogramas coloreados a mano.

Durante los siguientes años cierran las productoras, y los problemas no sólo eran de distribución o de producción, sino de cómo enfrentarse a los avances tecnológicos.
Los realizadores que asumen a la tarea de hacer cine pelean contra elementos técnicos como la llegada del sonido 10 años después de que productoras como Fox y WB estuvieran trabajando en él y una nueva ola de violencia bipartidista azota el país después del 9 de Abril de 1948 frenando las ilusiones generadas por el cinematógrafo.
Superada la primera mitad del siglo el cine comienza a reinventarse no sólo desde el celuloide sino desde las reflexiones que este puede generar, aunque en la primera mitad del siglo hubo algunas publicaciones que hablaban de cine, no había una búsqueda de identidad en nuestro cine. Partiendo de esta premisa, los cineastas que se enfrentan a los nuevos procesos modernizadores de las urbes y las constantes migraciones internas, tienen la tarea de buscar un lenguaje propio que se aleje del costumbrismo que era una constante en nuestro cine, incluso en gran parte de esta segunda mitad de siglo.

El crecimiento y la evolución de un lenguaje o de una narrativa colombiana ha sido lento aunque en estos últimos 40 años se han dado pasos firmes, gente que al margen de lo que se suponía debía mostrar el cine colombiano desafía las reglas, se enfrentan a feroces distribuidoras y crean películas que escapan a esos convencionalismos; por primera vez los cineastas pierden el miedo a buscar otras vías narrativas y siembran las semillas del cine negro, el terror e incluso la ciencia ficción dentro de esa misma idiosincrasia colombiana. Lo decía Luís Ospina en una entrevista: Vivimos es un país de serie negra, cuando hice Soplo de vida mucha gente criticaba el hecho de importar un género que era más que todo del cine norteamericano a una cinematografía nacional. Sin embargo el género negro tiene en Colombia todos los ingredientes: Políticos corruptos, impunidad…así que, por qué no hacerlo!

Empezamos una nueva época, las revoluciones sociales vividas en los 60 y 70 hacen mella en los jóvenes realizadores, inconformes con la realidad nacional y con la realidad cinematográfica que fácilmente caía en la tentación de explotar y exportar la pornomiseria tan premiada en Europa.

Con Agarrando pueblo (1978), Luís Ospina denuncia a los que denuncian; con un falso documental de 28 minutos se mofa de los “vampiros”, de quienes sin escrúpulos hacen “cine social” y de quienes ingenuamente piensan el cine como una ONG.

Agarrando pueblo. Luis Ospina
http://www.youtube.com/watch?gl=ES&hl=es&v=P5VMVT5ZqeM

El cine a diferencia de otras disciplinas artísticas necesita no sólo talento, ganas, ilusión, dinero, necesita gente recursiva, gente que de entrada sabe que se enfrenta a una empresa quijotesca y aún así prefiere apostarlo todo a esperar una financiación estatal para realizar sus proyectos.

Un ejemplo de cineasta que crece a la sombra madurando un lenguaje bizarro a fuego lento es Jairo Pinilla, el primer colombiano que realizo un largo en digital, pero antes de llegar a esta época de ceros y unos ya tenía la nada despreciable suma de 6 largometrajes y una docena de cortos y mediometrajes en 16 y 35mm. Funeral siniestro (1977) sería en lo estrictamente cinematográfico el primer film de horror colombiano, digo en lo cinematográfico porque cualquier película de cualquier época que refleje la realidad de Colombia es de lejos muchos más terrorífica que toda la producción de la Hammer junta. Lo curioso del caso es que la película a pesar de los distribuidores que pensaban tenerla sólo una semana en cartelera, consiguió que el público que asistía incrédulo se dejara seducir por las oscuras fuerzas del miedo y la intriga, manteniéndose 4 meses.

Stop motion, kung fu, estafas, cementerios indígenas, muertos que vuelven a la vida, vudú, reencarnaciones, niños poseídos, plantas carnívoras, naves interplanetarias, efectos especiales caseros y finales sorprendentes son la constante en los argumentos de este creador caleño adorado y vilipendiado a partes iguales.


El triangulo de oro. La isla fantasma. Trailer
Dir. Jairo Pinilla Tellez.

http://www.youtube.com/watch?gl=ES&hl=es&v=jwjTORKs7y0

Otro de los autores que ha construido un lenguaje propio es uno de nuestros internacionales. Valorado en Cannes y otros festivales de prestigio desde su primer largo Rodrigo D no futuro, mezcla de punk y metal agitado por un poeta.
Victor Gaviria entra en la periferia social indaga con la cámara el mundo de las comunas de Medellín con el ritmo frenético de quienes cada día se enfrentan a la muerte, la suya o la de otros, da igual, los tesoros conseguidos son efímeros, sus gritos son balas y sus vidas invisibles.

Rodrigo D. No futuro
Dir. Victor Gaviria.

http://www.youtube.com/watch?gl=ES&hl=es&v=-Y_bBATEvA4

EL CINE Y EL PUBLICO

Las películas colombianas ocupan lugares en las taquillas nacionales con los que hace diez años no contaba, hay un creciente interés desde el público en ver las producciones propias que tiene que ver entre otras cosas, con la idea de hacer un cine más comercial que siguiera siendo un cine de calidad.
Dentro de este espectro de películas más vistas se encuentra uno de los fenómenos de la nueva producción y es aquella que apunta hacia la comedia negra y el cine de género. Es posible que el nuevo tratamiento de los temas de siempre tenga que ver con una mayor conexión con el público, sin duda la optimización de la técnica narrativa es uno de los ganchos que tiene este nuevo cine, punto que ha jugado en contra de la calidad desde algunos sectores de la crítica.

En este sentido vale la pena reflexionar sobre si esta búsqueda de la pureza narrativa, en el sentido de un cine nacional con nombre propio, es fundamental en una industria más bien incipiente, quizá en el despegue de las nuevas producciones hay que valorar el hecho de que sean películas que se están viendo, un cine que empieza a crear público que es al final el motor en una disciplina audiovisual.

En la medida en la que el cine adopta un discurso y un tratamiento más profesional de los temas, consigue entrar en las expectativas y la propia identidad del espectador.

Películas como La gente de la universal de Felipe Aljure (1993) rompen temática y estructuralmente con lo que se venía viendo, e imprimen una mirada nueva que partiendo de innovaciones en la forma del discurso, conecta desde el humor, el sarcasmo y la caricatura con de la identidad nacional y la forma en que las circunstancias crean los caracteres, a través de un estupendo trabajo de personajes y un retrato cercano y crudo de la ciudad. El cine de Aljure escarba en las entrañas del conciente colectivo y es entonces cuando entendemos que no le hace falta explotar los estereotipos de la violencia, cuando la corrupción y la malicia terminan haciendo parte de la idiosincrasia de un pueblo. El trato ingenioso y mordaz que imprime Aljure, es tal vez una vía más efectiva hacia el cuestionamiento de las circunstancias que el puro dramatismo.

De la misma forma, La estrategia del caracol al encarar la temática social con un tono de denuncia e ironía, hace parte de las producciones de calidad artística en las que todavía cuestiones técnicas como el sonido, siguen siendo una barrera. Uno de los problemas de la falta de industria se refleja en la escasa formación de profesionales técnicos cuyo oficio aún en los años 90 está poco consolidado (no hay un buen trabajo del sonido porque no hay profesionales del sonido, los técnicos que venían de la televisión no podían adaptarse sin preparación a otra forma completamente distinta de trabajar).

La estrategia del caracol.
Dir. Sergio Cabrera

http://www.youtube.com/watch?v=pmSJceZvqYM

No obstante, el humor no ha sido la única forma de hablar de lo que nos parece serio, y junto con la versatilidad del estilo se va viendo poco a poco cómo la mejora técnica va posibilitando nuevos discursos. Películas como La primera noche (2003) nos muestran con destreza y agudeza el tema desgarrador del desplazamiento por el conflicto armado, tema que por otro lado, no había sido tratado de forma tan explicita. Este relato de Alberto Restrepo es una apuesta seria y comprometida que ajustada a un tipo de narración cinematográfica, nos conecta de inmediato con la historia: una vez más el asunto del cine no es sólo las historias que cuenta, sino cómo las cuenta.

En todo caso, y si tuviéramos que esquematizar las producciones que más han dado resultado en taquilla en este último tiempo, tendríamos que hablar de fórmulas, más bien cercanas al cine comercial, con un dominio en la construcción de las tramas que responden sobre todo al cine de género, al que se suma la ironía y el humor negro que ya se han convertido en una seña de identidad.

Perro come perro.
Dir.Carlos Moreno

http://www.youtube.com/watch?gl=ES&hl=es&v=d1nY2dqOdsw

Así tenemos filmes como Perro come perro, o Ladrón roba a Ladrón, encuadrados en el thriller, y con un tono más anecdótico la taquillera Soñar no cuesta nada, que a partir de un suceso real (el hallazgo de una “caleta” de la guerrilla con de millones de dólares, encontrada y robada por un grupo de el ejercito nacional) desarrolla una historia con todos los ingredientes que la acercan al gran público. Más cerca de la comedia está la también taquillera Bluff, cargando las tintas sobre el estereotipo del corrupto, y explotando al máximo los recursos del gansterismo criollo. El resultado: una película ágil y muy entretenida que podemos situar dentro de las producciones de género de calidad.

Bluff.
Dir. Felipe Martínez

http://www.youtube.com/watch?gl=ES&hl=es&v=xRRFdeNqEnQ


Siguiendo con el panorama variopinto, nos encontramos con El colombian dream, última película de Aljure que despierta todos los antagonismos: arriesgada y brillante en la estética y en el ritmo, innovadora en el tratamiento y el enfoque de la historia. Este es un retrato desnudo, irónico y poético, de una sociedad que sufre las consecuencias de su mayor sueño: la plata fácil.


El colombia dream
Dir. Felípe Aljure.

http://www.youtube.com/watch?gl=ES&hl=es&v=-EultJp-IdU

No podemos dejar de lado si hablamos de cine y público, las grandes coproducciones de factura impecable que siguen, sin embargo, explotando los temas más recurrentes, más cliché. Veamos el caso de Paraíso travel, rodada en Medellín, México y Nueva York, que revive de nuevo la historia de “las espaldas mojadas” pero cuenta a su favor con un trabajo de personajes que devela de forma mas cercana la tragedia de la migración. Ni que decir de la internacional María llena eres de gracia, explotada desde su concepción con el tema favorito de las mulas cargadas de droga, personajes planos sin matices que asumen un rol en función del único personaje que tiene un desarrollo, la protagonista.

En contraste tenemos películas como Apocalipsur o Bolivar soy yo
que sin tener nada que ver entre ellas, escapan a las pretensiones de lo necesario para indagar en esas historias menores que tratan de exorcisar de alguna manera los fantasmas de la colombianidad.

Bolívar soy yo.
Dir.Jorge Alí Triana.

http://www.youtube.com/watch?gl=ES&hl=es&v=IYb7G3YXY4I

Sobre si la violencia es un discurso inherente al cine colombiano o no, podemos responder que lo es tanto como a la realidad misma. Es tan violento el conflicto como lo es el hambre, la injusticia social y la corrupción. El cine bebe de lo que vive, pero siempre encuentra formas nuevas de contarlo y es por eso que tiene sentido; que tiene sentido seguir pensando y en ese ejercicio ir creando formas nuevas.

Vale la pena rescatar que desde las expresiones más comerciales hasta las más intimistas, hoy más que nunca el cine colombiano ha conseguido establecer un diálogo con el público, no ya desde una formula del éxito, sino más bien desde la búsqueda y la incesante necesidad de contar y transmitir.

Colombia es un país que necesita contarse, abrir el abanico de las historias posibles y entender el ejercicio del cine también como esa forma de volver los ojos hacia la realidad y que el arte siga siendo un discurso reflexivo, una llamada de atención.

Menú atómico


Delicias para cenar en mi casa.
Escoge plato, avísame con tiempo y trae bebida.

Gazpacho para Dracula:
Sin ajo.

Anti-pop superstar:
Gambas, escarola y granada con salsa rosa.

Gargamel:
Revuelto de setas triposas en pan tostado con aceite de oliva y tomate.

Vikinga molecular:
Salmón en lonchas, caviar rojo, papas en rodajas doradas y esparragos.
Servido sobre salsa de anti-materia: puré de aguacate, eneldo y limón.

Ven aquí negra, no te enfades!!!:
Dorada al horno servida con rodajas de aguacate y remolacha.

Mutter-atómica:
Pastel gratinado de atún, espinacas y hongos.

Furia nuclear:
Yuca frita, patacón, papas saladas y mezcla de vaca y cerdo con mucha,
Mucha cerveza!!!

Schlange bitte ((serpiente por favor)):
Cous cous, berenjena, zukini, pimiento rojo y verde, pepino sevido con:
Pollo, atún o tofu con sesamo tostado. Aliñado con limón, sal y aceite.

Pal´ guayabo mijo:
Caldito: costilla, papa, sal y cilantro.

Bloody Tarantino:
Raviolis gratinados con salsa roja.

Mátate te te…
Guacamole al infierno, pimiento verde y rojo, tortas, nachos, carne molida
con guiso tijuana y frijolitos.

Violento parche:
Domingo de Hummus, musica, pan tostado y cerveza pa´ bajarla sin
temblores.

Akosattive 4:
Arroz integral con pimientos verdes, alberjas, zanahoria y dados de pescado
((emperador)).

Sonido bestial:
Jamon serrano, queso semicurado, lomo y pan tumaka.

Hormiga canibal:
Picada de carnes con papa salada y pola pa´ ke no de tanta sed.

Gatufela rabiosa:
Cogollos (de lechuga, claro), manzana verde, maiz, jamón york,
rukola selvática y canonigos con aliño demente.

Gegen kapitalismus: ((contra el capitalismo))
Ensalada campera con un toke peleón.

Viejo, mi querido viejo:
Sopa de pollo con papa, yuca, jengibre y todas las de la ley.

Severa monchis:
Calentado, huevo frito y arepa.

Vaxtardoz en familia:
Manzana roja, apio, nueces, canonigos, rukola selvatica y limón.
Servido con mayonesa o aliño aborijen.

Tremenda loquera:
Arroz con vaca, cerdo, pollo, alberjas y el toke mágico.

Espiritu burlón:
Costillas y papas al horno. Servido con salsa picante.

Godzilla´s self destruction:
Salteado de verduras, fideos japoneses y tofu en sesamo tostado.

Demonio fusión:
Mango, queso de cabra y cogollos.

Territorio comanche:
Zanahoria, esparragos verdes, zukini, berenjena y setas a la plancha.

Acido Bogotá:
Espinaca, bacon, pan tostado en dados, sambal oilek (salsa picante hecha
de puré de guindillas) zumo de limón, cogollos, mostaza
Dijon, huevo duro y un poco de nata liquida.

Giovito Alimaña:
Salmón al vino blanco.

Obi wan kannabis:
Nutela o nucita rellena de ganya explotada con cerveza.

Colombia conexión:
Primer plato: gazpacho para dracula.
Segundo plato:Patacón, aguacate y carne molida revuelta con zukini,
cebolla y berenjena.

Punk´s not dead:
Champiñones al vino blanco rellenos de queso parmesano y gambas.

Orgasmatron:
Tallarines con salsa de puré de aguacate, limón, cebolleta, guindillas y
langostinos con un toque selvático.

Yo no fui!!!: ((ensalada verde y amarilla))
Pollo troceado, apio, granos de maíz, huevo duro, cogollos, zumo de limón,
mostaza Dijon .

Roedor:
Palitos de zanohoria, esparragos verdes, col china dormida en aliño aborigen,
aguacate ypimiento rojo en tiras finas.

Es ist nicht war: ((eso no es verdad))
Sudado de papas y carne con arroz.

Magia negra:
Papas rellenas de pimientos (verde, amarillo y rojo), cebolla y champis
gratinadas.

Rumba pesada es mi rumba guerrera:
Pernil de cordero al horno con papas y mil de cerveza.

Zombie:
Sorbete de limón a la cava.

Bruce lee Mc:
Col china previamente aliñada en salsa aborigen, raíz china, cogollos y salsa
Kaiser ((tipo gazpacho)).

Satan circus:
Ensalada de zanahoria rallada, rodajas de tomate, pepino, pimiento verde y rojo, apio,
lechuga y pollo demenuzado con aliño aborigen.

Medusa:
Tartar de atún fresco y pepino.

Angustia bi-polar::
Mousse de pepino a la menta, con queso fresco.

Gorgona:
Calabacines rellenos de carne molida gratinados.

Orange is the color of my revolution:
Crepes de frutos rojos acidos (fresas, grosellas, arándanos, frambuesas y moras)
con un toque de ron.

Audrey Hepburn.
Carpaccio de ternera con esparragos y salsa de de atún.

Donkey power.
Burritos de pollo o carne con pimientos rojo, verde y amarillo.
Servidos con guacamole del diablo y tequila.